Dare vita a un’immagine fissa può essere un compito difficile, soprattutto se non si conoscono a fondo le funzionalità della propria fotocamera. Quando si impara a fotografare per la prima volta, diventa subito naturale tenere tutto perfettamente a fuoco, quindi non si capisce subito come, perché e quando introdurre la sfocatura da movimento nelle immagini. Ma prima di introdurre la sfocatura del movimento, impariamo cos’è e come si fa.

Che cos’è la sfocatura da movimento?

Innanzitutto, la sfocatura da movimento è molto diversa da un’immagine sfocata. Se si agita la fotocamera o il soggetto inizia a muoversi proprio mentre si apre l’otturatore, si crea un’immagine sfocata, ma non necessariamente una sfocatura da movimento.

La sfocatura da movimento è quando si crea di proposito un aspetto di movimento per il soggetto, ma il resto della foto è a fuoco. Questo è un elemento molto importante che fa la differenza tra la sfocatura da movimento e un’immagine semplicemente sfocata. Se una parte della foto non è nitida, il primo piano e lo sfondo si confondono e la foto non funziona.

La sfocatura del movimento dovrebbe essere applicata anche a qualcosa che l’osservatore penserebbe naturalmente in movimento, come un’auto o una persona che corre. L’aggiunta della sfocatura del movimento a qualcosa che è tipicamente fermo, come un libro o una saliera che si trova su un tavolo, sembrerà imbarazzante. Anche se vedere una saliera muoversi alla velocità della luce è un’idea interessante, non avrà alcun senso per lo spettatore.

Ora che abbiamo le basi, ecco 3 motivi per cui dovreste introdurre il motion blur nella vostra fotografia.

1. Racconta una storia

Se eseguita correttamente, la sfocatura del movimento migliora la capacità di narrazione di una foto.

Immaginate di fare una ripresa in un ippodromo. Vi trovate in un angolo vicino al traguardo e, quando i due corridori vi passano davanti, componete l’inquadratura con loro due nell’inquadratura e il traguardo sullo sfondo.

Se si introduce correttamente la sfocatura da movimento nella foto, si otterrà uno scatto impressionante dei due corridori in movimento, leggermente sfocato come se stessero ancora correndo nonostante siano congelati nel tempo. Anche il traguardo potrebbe essere a fuoco, insieme agli spettatori.

In questo modo lo spettatore entra nell’inquadratura come se fosse al vostro fianco e vedesse la gara completarsi. Racconta la storia di ciò che si è visto quel giorno.

Se non viene eseguita correttamente, si otterrà solo una foto sfocata di due blob che corrono verso un altro blob. Gli elementi della foto si confonderanno e si riuscirà a malapena a capire cosa sta succedendo.

2. Aggiunge azione alla fotografia

Un altro ottimo motivo per aggiungere la sfocatura di movimento alle foto è quello di trasmettere un senso di “azione” o “movimento”. In questo modo le foto possono sembrare molto più dinamiche.

Ad esempio, immaginate una moto da cross che sfreccia sul fianco di una montagna. Immaginate di vedere la moto da cross sfocata che corre lungo il sentiero mentre la montagna stessa è perfettamente a fuoco. Sembra quasi che la moto da cross stia sfrecciando nell’immagine congelata, o che voi stessi siate presenti per assistere al momento.

Immaginate, ad esempio, una ballerina. Se si introduce la sfocatura del movimento, si può mostrare all’osservatore il movimento che sta avvenendo. Può trattarsi di una trottola, di un movimento delle braccia o di un salto. La giusta quantità di sfocatura di movimento può dare vita al ballerino nella foto.

Per far sì che questo funzioni correttamente, è necessario selezionare una velocità dell’otturatore più bassa rispetto a quella normale. Le impostazioni esatte dipendono dalla velocità di movimento del soggetto. Per l’esempio della bicicletta, non è necessario un otturatore così lento come per una persona che cammina, ad esempio.

3. Può creare un effetto meraviglioso

Se si imposta la fotocamera quando le condizioni di luce sono scure e si imposta una velocità dell’otturatore bassa in modo da avere un’esposizione più lunga, si possono creare delle striature di luce che non solo raccontano una storia, ma hanno anche un aspetto fantastico.

Innanzitutto, è necessario assicurarsi di avere un treppiede stabile. Senza di esso, non otterrete altro che un’immagine completamente sfocata, a meno che non alziate l’ISO in modo ridicolo. Il problema di questa scelta è la quantità di rumore indesiderato che finirà per essere presente nella foto. Quindi, se volete ottenere la migliore foto possibile, usate un treppiede.

Grazie alla lunga esposizione, i veicoli che passano di lì creeranno un effetto di luce diffusa o le stelle sopra di noi attraverseranno l’inquadratura mentre la Terra ruota.

Tentare di farlo di giorno non funzionerà a meno che non si utilizzi un filtro a densità neutra come un piccolo o grande stopper Lee. Senza un filtro, si otterrà un’immagine completamente sbiadita (bianca). Anche se si riuscisse a farlo funzionare, non avrebbe lo stesso impatto di quando è più buio.

Imparare a fotografare il motion blur non è molto difficile. Ma per farlo bene è necessaria la pratica. Quindi, sperimentate un po’ quando introducete il motion blur nella vostra fotografia e tenete a mente questi motivi che vi aiuteranno a proseguire nelle vostre prove! Con l’esperienza, imparerete come e quando introdurre il motion blur nella vostra fotografia.

Il bianco e il nero sono raramente neri o bianchi

Ci sono pochi assoluti in questa vita. La maggior parte delle questioni che affrontiamo ricadono in “aree grigie” più che nelle definizioni puramente polari del dizionario, ovvero bianco e nero. Usiamo questi termini in modo piuttosto cavilloso quando esprimiamo opinioni personali, anche quando le situazioni reali sono tutt’altro! Questo vale anche per una serie di questioni legate alla fotografia. Dal momento che la fotografia è l’argomento del giorno, sposterò la conversazione in quella direzione. Vi spiegherò come il bianco e il nero raramente sono bianchi o neri.

In concreto

Il nero è la totale assenza di luce, come in una grotta a mezzanotte con gli occhi chiusi. Nada, niente, il vuoto totale. Niente è così disorientante e spaventoso come il nero totale. Il nero non è relazionale e non perdona. Anche il nostro senso dell’equilibrio è influenzato dall’incapacità di orientarci nell’ambiente. Ciò che non riusciamo a vedere, non possiamo relazionarci con esso.

Il bianco si trova all’altra estremità della scala di misurazione della luce, definita come un’esplosione di luce diretta e senza ostacoli proveniente dal Sole a mezzogiorno. Luce accecante, sfolgorante, bruciante, ustionante.

La luce bianca vera e propria farebbe saltare le barre dei nostri occhi e ci lascerebbe (almeno temporaneamente) ciechi. Forse è bene che non cerchiamo di funzionare fisicamente o psicologicamente in uno di questi due estremi.

Luce e buio vs. bianco e nero

Nel mondo delle pellicole fotografiche e della camera oscura, “D-max” e “D-min” determinavano la gamma di luce totale delle stampe fotografiche e dei lucidi. Le misurazioni effettive della luce in bianco e nero non possono essere replicate (per definizione) nei materiali fotografici.

• D-max si riferisce alla massima capacità di bloccare la luce (densità) di una particolare pellicola o stampa. D-max è il punto di massimo sviluppo di una pellicola o di una stampa in un ambiente di camera oscura tradizionale (chimica-emulsione).
• Il D-max per una stampante a getto d’inchiostro è il nero più scuro che può essere ottenuto da un particolare inchiostro su una particolare carta (sì, alcuni inchiostri e carte diverse ottengono risultati diversi).
• D-min è la massima misura di riflessione della luce possibile da una particolare carta senza inchiostro.

In entrambi i casi, non è possibile né il nero “reale” né il bianco totale. In realtà, il bianco e il nero non possono essere espressi con il mezzo fotografico, anche se continuiamo a usare questi termini.

Visione reale e interpretazione digitale

Al contrario, viviamo la nostra vita quotidiana nel mondo naturale, dove possiamo sperimentare questa “effettiva” gamma estrema di luce naturale. Di tanto in tanto assistiamo a queste condizioni di luce estreme e questo riferimento alla realtà ci permette di mettere a fuoco la nostra vita.

Esiste un’ampia gamma di contrasti nell’illuminazione della natura, che mantiene la nostra corteccia visiva divertita e incuriosita. Sperimentiamo gli estremi della luce e del buio quasi ogni giorno e i nostri occhi si adattano a queste dinamiche in modo del tutto naturale. Ma in un’espressione visiva più contenuta come la fotografia, siamo costretti a usare una tavolozza molto più tenue, il che pone la nostra mente di fronte a una sfida diversa.

Il nostro cervello insiste sui dettagli per aiutarci a navigare in questo mondo, sia visivamente che razionalmente. Siamo una specie relazionale e ci affidiamo all’esistenza di dettagli distinti nell’ambiente che ci circonda per relazionarci e negoziare il nostro percorso attraverso quell’ambiente. La stessa questione determina il modo in cui ci relazioniamo con le cose fotografiche, il che mi porta al punto – finalmente.

Il dettaglio è tutta una questione di contrasto

Il contrasto è il fattore determinante del dettaglio. Senza toni contrastanti, non ci può essere dettaglio.

I nostri occhi possono sperimentare l’intera gamma dinamica della luce nella vita reale. Tuttavia, nelle foto, la nostra percezione è molto limitata da tutta la questione visiva D-max/D-min. Dobbiamo imparare a usare la gamma che abbiamo per imitare quella che non abbiamo… capito? Spostando i toni interni di un’immagine si simula l’intera gamma di toni che normalmente vediamo (e che spesso diamo per scontati) nella vita reale.

In senso pratico, il dettaglio si crea quando si stabilisce una relazione visiva. Maggiore è il contrasto tra i toni, più nitido diventa il dettaglio.

Per esprimere un dettaglio in un’area scura, deve esserci una distinzione tra il nero e il “quasi nero”. Senza questa netta separazione, non ci può essere dettaglio.

C’è una regola fondamentale quando si stampa una foto su una macchina da stampa… “non esistono neri assoluti e solo bianchi puri speculari (riflessi) nella stampa”. Anche il bianco puro deve contenere un elemento tonale per mantenere dimensione e consistenza: né il nero né il bianco esprimono i dettagli.

Il nero deve essere più implicito che dichiarato. Anche un cappello o un indumento nero deve contenere toni di grigio scuro per dare l’illusione del dettaglio.

Dare l’impressione

Quando una foto manca di contrasto interno, manca di dettaglio. La tensione del contrasto crea dettaglio e definizione. Naturalmente, anche il dettaglio è una cosa relativa. Non tutte le immagini richiedono lo stesso aspetto dinamico. Se tutte le immagini contenessero lo stesso grado di contrasto (interno o generale), la monotonia dell’uniformità ci porterebbe probabilmente alla noia.

Il punto che voglio sottolineare è che per mantenere la mente umana divertita, impegnata e coinvolta, dobbiamo imparare a usare tutte le dinamiche tonali a nostra disposizione.

Fortunatamente, la mente umana (e la sua volenterosa complice, la corteccia visiva) ci fornisce uno strumento molto indulgente e creativo che interpreta (e crede) alle dinamiche limitate delle foto stampate. Quando questa orchestrazione tonale viene realizzata con successo, il risultato può essere mozzafiato.