Forse avete sentito il termine fotografia di paesaggio artistica. Ma la fotografia di paesaggio artistica è qualcosa a cui si dovrebbe aspirare? E cosa distingue una fotografia artistica da un’istantanea?
In questo articolo, ti spiegherò tutto quello che devi sapere sulla Fotografia paesaggistica d’arte. Inizierò spiegandoti che cos’è in realtà – e continuerò a darti un sacco di consigli che puoi usare per migliorare le tue foto di paesaggi!
Cos’è la Fotografia di paesaggio artistica?
Alcuni termini sono difficili da definire, e la fotografia artistica rientra in questa categoria. Detto questo, la fotografia artiastica è meno sul soggetto e più sul fotografo. Il tuo obiettivo nella fotografia di paesaggio artistica non è semplicemente quello di mostrare al tuo spettatore ciò che hai visto; è quello di comunicare come ti sei sentito ad essere lì e come la scena ti ha fatto sentire.
“La fotografia per me non è guardare, è sentire. Se non riesci a sentire quello che stai guardando, allora non riuscirai mai a far sentire qualcosa agli altri quando guardano le tue foto”. – Don McCullin
Allora, come si fa a comunicare i sentimenti attraverso le fotografie? Ecco alcuni consigli da considerare quando si cattura la fotografia di paesaggio artistica.
Pensa a cosa renderebbe unica la tua immagine
Vi è mai capitato di fare una foto di paesaggio in un luogo dove altri fotografi sono allineati accanto a voi e lavorano anch’essi sulla scena? La maggior parte di noi l’ha fatto.
La domanda da porsi è: In che modo la tua foto sarà diversa, unica, speciale? Cos’è che contraddistingue la tua immagine? Come puoi mettere la tua firma unica sullo scatto?
Le scelte che fai per creare un’immagine che sia unicamente tua sono importanti. Qualsiasi cuoco può seguire una ricetta, e se una dozzina di cuochi lavorano tutti su quella stessa ricetta, i piatti saranno essenzialmente indistinguibili. Il cuoco gourmet che fa il suo piatto d’autore, tuttavia, si sforzerà di rendere il pasto unico.
E come fotografo di paesaggi artistici, il tuo obiettivo dovrebbe essere lo stesso.
“La grande fotografia riguarda la profondità del sentimento, non la profondità di campo”. – Adams
Essere intenzionale e deliberato
Quando la luce cambia rapidamente, un fotografo di paesaggi potrebbe aver bisogno di muoversi rapidamente. Tuttavia, la maggior parte della fotografia di paesaggio può essere fatta a un ritmo lento e ponderato.
Invece di vedere semplicemente una scena, posizionare il treppiede, scattare prima e fare domande dopo, fai il contrario. Prima ancora di toccare la tua macchina fotografica, osserva attentamente la scena. Rallenta. hiedetevi cosa vi ha attratto per la prima volta verso la scena. Come ti fa sentire? Come puoi comporre al meglio lo scatto? E se ti spostassi più in alto, più in basso, in un punto di vista diverso, se usassi un obiettivo diverso? Cosa puoi fare per catturare al meglio le tue sensazioni nell’inquadratura?
Non essere mai uno che scatta una sola volta. Approfitta della capacità di riproduzione istantanea della tua macchina fotografica, valuta la tua immagine e decidi cosa potrebbe essere meglio.
Poi fai qualche altro scatto. Anche se non è un fotografo e non parla di fotografia paesaggistica d’arte, il famoso giocatore di hockey Wayne Gretsky offre comunque dei consigli che i fotografi farebbero bene a ricordare: Si perde il 100% degli scartti che non si fanno.
Pratica della previsualizzazione
Saprai che le tue abilità come fotografo stanno crescendo quando potrai vedere la tua fotografia prima ancora di mettere l’occhio nel mirino.
Alla fine, dovresti previsualizzare la tua immagine finita, avere la visione, e poi semplicemente usare la macchina fotografica come uno strumento per catturare quella visione. È un bellissimo anello: Più fotografi, più diventi bravo a vedere – e più diventi bravo a vedere, migliori saranno le tue fotografie.
“La macchina fotografica è uno strumento che insegna alle persone a vedere senza una macchina fotografica”.- Dorothea Lange
Ma mentre la previsualizzazione è importante, la Fotografia paesaggistica d’arte dovrebbe sempre essere aperta alla serendipità: quei momenti inaspettati in cui la luce cambia, gli angeli cantano e il miracoloso appare per un breve momento da catturare. Ci sono state spesso delle volte in cui ho previsualizzato uno scatto, mi sono preparato e ho aspettato la luce, solo per avere qualcosa di incredibile che è apparso dietro di me dal nulla.
Esercitatevi a lavorare con i comandi della vostra macchina fotografica in modo che, quando si verifica un tale momento, potete rispondere rapidamente e ottenere lo scatto.
I paesaggi artistici non sono solo monocromatici
Cerca su Google “fotografia artistica” e vedrai per lo più immagini in bianco e nero (monocromatiche). A causa, forse, della sua lunga esistenza, così come di un buon numero di primi fotografi per i quali il bianco e nero era l’unica opzione, le fotografie monocromatiche possono superare le immagini a colori nel mondo delle belle arti.
Ma questo non vuol dire che le immagini a colori non possano anche essere considerate fotografie d’arte. Torniamo alla nostra definizione: La fotografia artistica riguarda più l’artista/fotografo e la sua visione che il contenuto della fotografia. Che sia a colori o monocromatica, il modo migliore per ritrarre una visione dipenderà dall’intento del creatore.
“Quello che amo delle fotografie in bianco e nero è che sono più come leggere il libro che vedere il film”.- Jennifer Price
Ora, tenete a mente i punti di forza della fotografia in bianco e nero. Senza l’aggiunta del colore, le immagini monocromatiche si basano più sulle basi, le “ossa” di una buona foto: linea, forma, forma, tono e consistenza. Le immagini in bianco e nero sono tipicamente più semplici, con una maggiore attenzione al soggetto. A volte, un’immagine monocromatica può trasmettere uno sguardo o uno stato d’animo meglio della sua controparte a colori.
Quando si decide se un’immagine potrebbe essere migliore a colori o in bianco e nero, il fotografo artistico deve tornare all’obiettivo e chiedersi: Quale versione trasmette meglio i sentimenti e la visione che avevo quando ho fatto l’immagine? Questo, e non una qualche nozione che le fotografie d’arte sono sempre monocromatiche, dovrebbe dettare la direzione che il fotografo prende.
Non aver paura di alterare la realtà nella fotografia di paesaggio artistica
Abbiamo parlato del fatto che la fotografia d’arte non riguarda tanto l’interpretazione accurata di un soggetto quanto i sentimenti e la visione del fotografo.
Quindi chi dice che non si può cambiare completamente la propria immagine per trasmettere meglio queste cose? Tecniche come i lunghi tempi di posa per sfocare gli oggetti in movimento e i tempi di posa molto veloci per congelare totalmente gli oggetti in rapido movimento sono di casa nella fotografia artistica.
Così come la sfocatura intenzionale delle scene con il movimento intenzionale della telecamera (ICM) e l’uso di speciali strumenti digitali per dare all’immagine un aspetto “pittorico”. Fotografia a infrarossi o altre tecniche che spostano i colori? Certo! L’arte è totalmente soggettiva, e così la Fotografia paesaggistica d’arte. Come scegliete di rappresentare una scena è una vostra prerogativa, dove il “modo giusto” è quello che comunica meglio i vostri sentimenti e il vostro messaggio.
“Credo davvero che ci siano cose che nessuno vedrebbe se non le fotografassi”. – Diane Arbus
Sperimentare l’editing interpretativo
Ho letto molto sulla frase “ottenere il giusto nella fotocamera”, qualcosa con cui sono sia d’accordo che in disaccordo. Sì, credo che uno dovrebbe padroneggiare i controlli della sua macchina fotografica in modo da ottenere la migliore esposizione possibile di un’immagine mentre è sul campo.
Sì, fare la migliore immagine possibile sul campo è importante. Una sessione di editing non dovrebbe mai essere una missione di salvataggio in cui si cerca di superare gli errori commessi durante le riprese. Correggere un’immagine in Photoshop è un’opzione, ma di solito non è una buona opzione.
Tuttavia, migliorare un’immagine con la schivata, la bruciatura o una qualsiasi delle decine di altre tecniche di editing è il marchio di un abile fotografo d’arte. Usare le abilità di editing per interpretare ulteriormente un’immagine, per trasmettere sentimenti e intenti, fa parte del mestiere.
Le persone che amano vantarsi del fatto che le loro immagini sono inedite e direttamente dalla macchina fotografica, probabilmente non hanno mai studiato il lavoro del fotografo di paesaggi forse più famoso di tutti i tempi, Ansel Adams. Non aveva il vantaggio del software di editing digitale per modificare le sue immagini, eppure questo non lo ha scoraggiato.
Date un’occhiata ad alcune delle sue immagini prima e dopo, e vi meraviglierete di quanti cambiamenti ci sono stati tra il negativo catturato dalla macchina fotografica e la stampa finale.
Mettere il tempo
La Fotografia paesaggistica d’arte non si fa in fretta. Ho visto i produttori di software affermare che i loro programmi vi permetteranno di lavorare più velocemente usando l’intelligenza artificiale. Mentre questi programmi hanno fatto molta strada, non sono convinto che possano ancora eguagliare la qualità dell’intelligenza umana della vecchia scuola e uno stile di editing più attento, anche se più lento.
Potresti essere in grado di ottenere dei risultati interessanti con un preset one-click, ma il risultato sarà un’immagine che comunica la tua visione unica? Se sostituisci un cielo con qualcosa di “inscatolato”, potrebbe essere più drammatico, ma è ancora la tua fotografia?
Devo anche chiedere: che fretta c’è? Mi piace il fotoritocco, vedere dove posso portare un’immagine con un po’ di lavoro ponderato. So che ci sono quelli a cui non interessa l’editing, e credo che vada bene così. Credo solo che la maggior parte dell’arte fatta con cura richiede tempo.
Ho usato tali software in alcune occasioni, e anche voi potete farlo. Ma piuttosto che imparare solo i trucchi del mestiere, che ne dite di mettere il tempo e lo sforzo per imparare il mestiere stesso?
Se la fotografia di paesaggio artistica che ha il tuo stile personale e il tuo look caratteristico è il tuo obiettivo, non ci sono scorciatoie. I preset con un solo clic renderanno il tuo lavoro simile a quello di tutti gli altri!
Fotografia di paesaggio artistica: Vedere la luce
Mi piacciono vari tipi di fotografia, dallo still life da tavolo e la fotografia macro al lavoro con il flash e specialmente i paesaggi. Ciò che differenzia la fotografia di paesaggio da molti di questi altri generi è l’illuminazione, il grado di controllo che il fotografo ha sulla scena e la facilità di creare l’aspetto desiderato.
Posso previsualizzare l’aspetto che voglio per uno scatto di una natura morta da tavolo, metterlo sul bancone della cucina, illuminarlo, fare delle regolazioni e modificarlo finché non ottengo lo scatto che mi piace.
Non così per la fotografia di paesaggio. Invece, devo viaggiare nella zona che voglio fotografare, essere lì quando il tempo è cooperativo, la luce è giusta, il fogliame è di stagione, e tutto il resto (niente di tutto questo è sotto il mio controllo) si riunisce. Se mai lo farà. Ma questa è anche la gioia dellaFotografia paesaggistica d’arte.
Potrebbe significare sedersi pazientemente nel gelo pre-alba, sperando che le nuvole arrivino nel modo giusto e che l’alba colpisca proprio così. Potresti camminare per chilometri per arrivare a quell’affaccio per un tramonto che non arriva mai, o essere fortunato e avere un temporale improvviso che arriva sopra il canyon con nuvole e lampi drammatici.
La mancanza di controllo è parte dell’attrazione della fotografia di paesaggio, la consapevolezza che la fortuna è davvero quando la preparazione incontra l’opportunità.
“La mia vita è plasmata dal bisogno urgente di vagare e osservare, e la mia macchina fotografica è il mio passaporto”. – Steve McCurry
Quindi, se vuoi essere un grande fotografo di paesaggi artistici, allora dovrai lavorarci su. Dovrai sacrificarti un po’, alzarti prima dell’alba, rimanere ben oltre il tramonto, fare escursioni in luoghi difficili, cercare luoghi che i fotografi di passaggio non vedranno mai, e sforzarti di essere diverso con le tue immagini, catturando non solo ciò che vedi, ma ciò che senti.
Fotografare su un tema
A volte, un buon modo per stimolare i tuoi succhi creativi è quello di scattare su un tema. Piuttosto che prendere semplicemente la tua attrezzatura e andare in un luogo per fare un po’ di fotografia di paesaggio con qualsiasi cosa tu veda, decidi che farai in modo che tutte le tue immagini si adattino a un tema.
Descrivi visivamente un concetto o magari fai delle foto come se stessi facendo un articolo su un luogo o un singolo soggetto. Poi, usate il “vocabolario visivo” che sono le vostre fotografie per descrivere e definire quel soggetto.
Aggiungi il tuo stile come fotografo di paesaggi artistica per determinare ciò che vuoi che il tuo spettatore sappia e senta sul tuo soggetto.
L’impronta è la performance
Oggi, la maggior parte delle foto che vengono fatte probabilmente non vengono mai stampate. Invece, sono viste solo su monitor o schermi LCD, e a volte proiettate. Ai tempi della pellicola, i fotografi non avevano queste opzioni. Dopo aver scattato e sviluppato la loro pellicola, erano solo a metà strada per poter mostrare la loro fotografia agli spettatori. Le stampe erano obbligatorie.
Ansel Adams la vedeva così: Il negativo è l’equivalente della partitura del compositore e la stampa l’esecuzione.
Quando si parla di Fotografia paesaggistica d’arte, devo sollevare la questione: Una fotografia può essere considerata artistics se viene vista solo su un monitor e mai stampata?
Se hai passato un po’ di tempo in una galleria fotografica e hai guardato da vicino le fotografie stampate, saprai che non c’è paragone tra vedere una fotografia stampata e vedere la stessa immagine su un monitor. Le stampe possono rendere molti più dettagli, colori e toni.
Anche il tipo e la consistenza della carta o di un altro substrato su cui viene stampata una fotografia possono fare un’enorme differenza.
Infine, quando si guardano le fotografie su uno schermo, la luce è prodotta dallo schermo stesso, mentre quando si guarda una stampa, la luce è riflessa. Cambia il modo in cui si visualizza lo scatto.
Quindi, per ripetere la mia domanda in un modo diverso: Una fotografia deve essere stampata per essere considerata artistica?
Potrei argomentare da entrambe le parti, ma devo confessare che sono un grande sostenitore della stampa. Sì, imparare a fare buone stampe da soli è tutta un’altra abilità, e non è facile da imparare. Semplicemente ottenere che il colore e la luminosità di un’immagine stampata corrispondano approssimativamente a ciò che si vede sul monitor è una sfida.
Ma direi che imparare a stampare fa parte del mestiere di fotografo.
Potresti anche scegliere di consegnare le tue foto a una stampante professionale la cui specialità è sapere come ottenere il massimo dalla tua immagine. Anche questo va bene. Credo che il mio punto sia che la differenza tra una fotografia stampata di un paesaggio artistico e la stessa immagine vista su un monitor è grande quasi quanto la differenza tra andare a un concerto e guardarne uno in TV.
“Le stampe d’arte create dall’artista, o dal suo collaboratore, sono importanti perché rappresentano al meglio la visione dell’artista. Le immagini visualizzate su dispositivi digitali sono soggette alla natura non uniforme dei diversi display e possono apparire radicalmente diverse da quelle che l’artista intendeva.” – Mac Holbert
Le foto parlano di te
Ciò che vedi, ciò che attira il tuo occhio e la tua macchina fotografica, e come scegli di interpretare un soggetto dice molto di te.
Anche se non hai definito coscientemente una “visione fotografica” per te stesso, ci sono buone probabilità che, se rivedi i tuoi archivi, sarai in grado di identificare dei punti in comune nel tuo lavoro.
Si spera che tu abbia sviluppato un sistema di valutazione (forse codifica a colori o a stelle come può essere fatto in Lightroom) in modo da poter determinare quali foto consideri le tue preferite. Prenditi un po’ di tempo per guardare i tuoi scatti migliori e magari prendi delle note su come definire stili, caratteristiche o tecniche.
Cosa fai costantemente che funziona, e quale stile di firma hai?
“Fotografa solo ciò che ami”. – Tim Walker
Concentrati specificamente sulle tue immagini di paesaggio e cerca i punti in comune. Cosa ha funzionato bene? Cosa non ha funzionato? Come puoi trovare il modo di costruire sui tuoi successi e anche definire e sviluppare ulteriormente il tuo stile personale in modo che le tue immagini comunichino con lo spettatore?
“Facciamo fotografie per capire cosa significa per noi la nostra vita”. – Ralph Hattersley
Quando si considera il tema della Fotografia paesaggistica d’arte, ci si potrebbe chiedere: “Il mio lavoro è all’altezza? Sono abbastanza bravo da poter considerare le mie fotografie come belle arti? Appartengo al club elitario dei fotografi d’arte?”
Suggerirei che ciò che costituisce una fotografia d’arte non riguarda tanto la qualità dell’immagine, quanto il successo del fotografo nel comunicare qualcosa allo spettatore.
Se vuoi avere successo nella Fotografia paesaggistica d’arte, o in qualsiasi altro genere di fotografia, insegna alle tue foto a parlare da sole. Se fossero esposte in una galleria senza che tu dica una parola, cosa direbbero a uno spettatore? Cosa proverebbe una persona quando le guarda?
Sì, una foto può valere 1000 parole, forse di più. Ma deve parlare da sola!
Fotografia di paesaggio artistica: Conclusione
Ora che hai finito questo articolo, sai tutto sulla Fotografia paesaggistica d’arte. bE sai come creare dei bellissimi scatti di paesaggi artistici per conto tuo. Quindi esci e scatta. I migliori auguri per i vostri sforzi fotografici!
- Cos’è la fotografia artistica? Questa descrizione di Wikipedia la riassume bene: “La fotografia fine-art è la fotografia creata in linea con la visione del fotografo come artista, utilizzando la fotografia come mezzo di espressione creativa. L’obiettivo della fotografia fine-art è quello di esprimere un’idea, un messaggio o un’emozione”.
- Un’immagine deve essere in bianco e nero per essere considerata una fotografia artistica? Mentre molti fotografi scelgono di usare il bianco e nero quando fanno foto di paesaggi artistici, e mentre le immagini tradizionali sono state fatte in quel modo, non è un requisito. Il fotografo dovrebbe scegliere qualsiasi rappresentazione che trasmetta meglio la sua intenzione per l’immagine.
- Come può la previsualizzazione aiutarmi a fare fotografie d’arte? Le buone foto si fanno nella mente, e la macchina fotografica diventa allora uno strumento per catturare ciò che il fotografo ha già “visto”.
- Una fotografia deve essere stampata per essere considerata “artistica”? No, ma una stampa può fare molto di più per trasmettere il messaggio del fotografo allo spettatore come un oggetto tangibile e fisico con una sottigliezza di colore e tono molto maggiore e una risoluzione più alta. Inoltre, mentre ogni dispositivo di visualizzazione influenzerà il modo in cui l’immagine viene vista, una stampa mantiene l’aspetto dell’immagine come il fotografo l’ha intesa. La stampa è anche parte dell’arte e del mestiere della fotografia.
- Se potesse dare un solo consiglio su come fare fotografie di paesaggi artistici, quale sarebbe? Determinate cosa volete che l’osservatore veda, pensi e senta quando guarda la vostra immagine, e impregnate la vostra fotografia di queste qualità in modo che possa parlare da sola all’osservatore.
