Questo articolo (Guida avanzata all’esposizione) è destinato ai fotografi manuali non proprio principianti:. può essere utile a chi ha scattato in modalità manuale e trova ancora le cose un po’ complicate e vuole quindi chiarire alcune problematiche e arrivare a padroneggiare l’esposizione in modalità manuale. Quanto di seguito presuppone la conoscenza di come funziona la propria macchina fotografica e la relazione tra le varie impostazioni di esposizione. Non è un articolo altamente tecnico e non affronta l’istogramma o altre tecniche di esposizione avanzate.
Esposizione
Quando si scatta in manuale, è necessario avere una forte padronanza delle impostazioni di esposizione. Se si sbaglia una qualsiasi di esse, si può rovinare la foto. A volte è possibile riparare il danno in post-processing, ma tutti vogliamo evitare gli errori più gravi.
ISO
L’ISO è l’impostazione dell’esposizione che ho sempre impostato per prima. Quando hai iniziato come fotografo manuale, l’ISO riguardava soprattutto il tipo di luce che avresti trovato nel luogo di ripresa. Dopo un po’, si scopre che c’è di più che la semplice luminosità della luce. È anche uno strumento per correggere l’esposizione quando altre impostazioni hanno bisogno di un po’ di aiuto.
Quindi qual è un buon modo per guardare gli ISO? Beh, per prima cosa si inizia controllando la luce ambientale. Se postuliamo una giornata luminosa, inizieresti con ISO 64, 100 o 200, a seconda di ciò che la tua fotocamera ha da offrire e di quanto è luminosa la giornata. Cosa fa questo per te? Imposta la reattività del sensore alla luce. ISO più alti ti permettono di scattare con una luce più debole, ISO più bassi ti permettono di scattare con una luce più brillante. Per vedere cos’altro può fare l’ISO, dobbiamo prima parlare delle altre impostazioni di esposizione.
Apertura
Come sapete, l’apertura determina l’aspetto estetico delle vostre immagini, insieme alla profondità di campo. Se vuoi una profondità di campo poco profonda, allora dovresti scegliere una grande apertura, diciamo da f/1.2 a f/3.5, circa. Se vuoi un po’ più di profondità di campo, sceglierai aperture medie come f/4 e f/5.6. Per una maggiore profondità di campo, si sceglie f/8 e numeri f più alti.
Se si desidera un bokeh morbido, si scelgono diaframmi grandi, e se si vogliono montagne nitide in lontananza si scelgono diaframmi più piccoli. Tutti noi tendiamo a sviluppare f/stop preferiti per vari scenari. Queste preferenze spesso cambiano man mano che diventiamo esperti e il nostro stile si evolve. Ma l’apertura influenza tutto, quindi è un’impostazione di esposizione molto importante. Può essere facilmente la prima impostazione che si sceglie quando ci si appresta a scattare.
Mi capita di iniziare con l’ISO. Non c’è alcun problema nell’usare l’apertura come impostazione iniziale. Guardate il vostro soggetto, pensate un attimo a come volete che appaia e scegliete un’apertura di conseguenza. Solo per mescolare un po’ le cose, diciamo che vuoi che le tue montagne siano morbide sullo sfondo e che vuoi che l’erba in primo piano sia nitida. Allora dovresti scegliere un’apertura relativamente aperta, come f/4, perché non vorresti che le tue montagne non avessero alcuna definizione, cosa che potrebbe accadere con f/1.8, per esempio. È importante ricordare che l’apertura è ciò che fa entrare la luce nella tua fotocamera. La dimensione del diaframma regola quanta luce lascia entrare.
Guida avanzata all’esposizione: Velocità dell’otturatore
La velocità dell’otturatore regola o controlla la luce che hai lasciato entrare attraverso l’apertura. Un’apertura molto ampia con una velocità dell’otturatore molto lenta può risultare in un’immagine bianca. Sapete già perché. Perché avete fatto entrare troppa luce. Quindi, di solito con un’apertura ampia, hai bisogno di una velocità dell’otturatore piuttosto veloce, e con un’apertura stretta hai bisogno di una velocità dell’otturatore più lenta, o farai entrare troppa poca luce e ti ritroverai con un’immagine bianca e nera. La velocità dell’otturatore è ciò che dà alle tue immagini nitidezza o morbidezza. Ti dà dettagli su piccoli oggetti. Arresta il movimento, cattura i dettagli degli oggetti in movimento, ti permette di fotografare stelle nitide o di avere scie stellari, ti dà la sfocatura quando riprendi auto in movimento e sfoca l’acqua in movimento. Non c’è fine alla creatività che la velocità dell’otturatore può produrre. È una parte estremamente importante dell’esposizione.
ISO avanzato
Ora è il momento di discutere cosa ha a che fare l’ISO con tutto questo, oltre ad impostare la reattività del vostro sensore alla luce. Diciamo che volete fotografare un insetto e volete un bokeh sfocato per lo sfondo. Affinché non si parli di obiettivi, macrofotografia o treppiedi, diciamo che si tratta di un insetto molto grande come un bombo. Avete già scelto un obiettivo che sarà in grado di catturare un primo piano di un insetto. Vorrai molti dettagli sull’insetto. Inoltre, per ottenere il tuo bokeh, vuoi un’apertura abbastanza grande. Potresti usare uno zoom, il che influirà su quanto grande sia l’apertura che puoi scegliere. Ora, diciamo che è una giornata con un po’ di luce solare ma non molta e qualche nuvola.
Avete scelto un’apertura di f/3,5. Ma quell’apertura non ti darà il dettaglio che vuoi sul tuo insetto. Se il diaframma è così aperto, otterrai un bombo riconoscibile, ma non otterrai molti dettagli, come i peli sul suo corpo, o i dettagli sulle sue zampe o antenne; in altre parole, non otterrai una foto di insetto veramente pulita. Questo significa che dovete abbassare il diaframma a un numero f più alto, come f/8. Ma mentre lo fai, la velocità dell’otturatore scende al punto in cui anche un leggero movimento provoca la sfocatura dell’immagine, sia a causa del movimento dell’insetto che del tremolio della fotocamera.
Che cosa fate? Si alza l’ISO. Lo alzi abbastanza per aumentare la velocità dell’otturatore.
Diciamo che avete impostato ISO 100. Bene, puoi portarlo a ISO 400 o 800, tanto per cominciare, e se la velocità dell’otturatore non è ancora abbastanza veloce, dovrai alzarlo ancora di più. L’ISO più alto che sceglierai ti permetterà poi di avere velocità dell’otturatore molto più alte che potrai usare per catturare i dettagli del bombo. Perché? Perché ha aumentato la reattività della tua fotocamera alla luce, e ora puoi lasciarne entrare meno per ottenere una buona esposizione nitida che i tempi di posa più alti ti forniranno. Con una velocità dell’otturatore elevata e un’apertura relativamente piccola, sarai in grado di catturare molti più dettagli del tuo bombo, senza vedere alcuna sfocatura.
Il punto è che a una data apertura, alzare l’ISO più in alto del suo numero base può permetterti di avere dei tempi di posa più alti consigliati per ottenere una buona esposizione. Questo è un aspetto molto importante e un po’ avanzato dell’esposizione che diventerà presto una seconda natura per voi.
Siete in giro a sparare. La tua foto è troppo scura. Non volete cambiare il diaframma. La tua reazione immediata sarà quella di cambiare l’ISO e riprovare. Il vostro nuovo scatto ora ha successo. Dopo che questa tecnica diventa una seconda natura, la vostra creatività entra in gioco e vi fa sperimentare. Il tuo risultato apparirà in post-elaborazione. Per verificare il tuo giudizio, se vuoi, puoi consultare il tuo istogramma per confermare che eri nella gamma di buona esposizione quando hai scattato la tua foto.
Luce e sole
Avete sentito parlare dei colpi di sole soffiati? Che cosa sono? Hai notato delle brutte macchie bianche che rovinano la tua foto? Cosa le provoca? Beh, hanno a che fare con la luce. Un sensore cattura tutta la luce disponibile che passa attraverso il tuo obiettivo in base alle impostazioni che hai scelto. La luce colpisce una cella fotovoltaica nel tuo sensore chiamato pixel, generando tensione, e attraverso un convertitore analogico-digitale crea dati digitali, e quei dati diventano la tua immagine. Ma se la luce molto intensa fa sì che la tensione superi la piena saturazione del sensore di pixel, allora il valore risultante è un pixel bianco senza dettagli. Quando questa saturazione massima si verifica per tutti i pixel della stessa area, allora l’intera area è bianca, senza alcun dettaglio, e quell’area bianca è soffiata. Nella tua immagine, quelle aree bianche non sono recuperabili in post-elaborazione poiché non ci sono dati in quei pixel. Il meglio che si può sperare di fare in post è clonare un po’ di colore su quei punti, e questo non funziona mai molto bene. Quindi la cosa ideale da fare è imparare a non avere blowout. La domanda diventa: come si fa?
Devo iniziare riportando un fatto ben noto negli ambienti artistici. Nell’arte, tutte le immagini sono create da una combinazione di scuri e luci. Colori scuri contro colori chiari creano la forma che si vuole creare. In fotografia, è lo stesso. Se si fotografa una montagna nera, è la luce che dà la definizione alla montagna. Se fotografate un fiore bianco, sono le ombre che danno la definizione ai petali. Sono le ombre e la luce che creeranno l’angolo di un edificio o una sensazione di profondità nella tua foto. Il contrasto tra luci e scuri dà alla tua foto la sua drammaticità. Luci e ombre sono alcune delle parti più importanti della fotografia. Devi imparare a padroneggiarle.
Troppe ombre possono rovinare un’immagine. Troppe poche luci possono rovinare un’immagine. Come? Derubando la tua foto delle sue forme. Pensate a quella montagna nera senza sfumature più chiare. È un blob nero. Pensa a quel fiore bianco senza ombre. È un blob bianco. Così, mentre padroneggi la composizione in fotografia, impari a vedere i tuoi scuri e le tue luci.
Guardando attraverso il mirino, quando il tuo occhio è allenato noterai quando ci sono punti di luce che sono molto luminosi e molto sgraditi. Un esempio è la ripresa di un fiore su un cespuglio.
Se il sole è dietro il cespuglio, il vostro occhio sarà in grado di vedere molti punti di luce brillante passare tra le foglie del cespuglio. Dopo aver rovinato un sacco di foto di fiori, ti rendi conto che devi iniziare a notare quei punti luminosi di luce, perché risultano in immagini gonfiate, come definito sopra.
I colpi di sole sono una buona cosa e faranno sembrare il tuo fiore un fiore. I blowout faranno apparire la vostra foto come se foste un ignorante che non sa cosa state facendo. Una cosa semplice da fare che può evitare i blowout è spostare la tua posizione. Se ti sposti un po’ a destra o a sinistra, potresti essere in grado di bloccare alcuni o tutti i raggi diretti del sole. In alternativa, potresti trovare un altro fiore da fotografare.
Se state riprendendo una scena di paesaggio e decidete di scattare verso il sole, potete ritrovarvi con un cielo completamente bruciato, o con un orribile contrasto di acqua grigia su una spiaggia. Per evitare questa situazione, devi spostare un po’ il tuo obiettivo in modo da non scattare così direttamente verso il sole. A volte, alcune aree bruciate sono una scelta artistica. Altre volte, fanno solo sembrare una foto brutta. Quindi, alla fine, le aree bruciate della tua foto possono essere controllate dalla prospettiva da cui scegli di scattare.
Misurazione e autofocus (Guida avanzata all’esposizione)
Sia la misurazione che l’autofocus sono le impostazioni più soggettive della nostra fotocamera. Sono anche piuttosto confuse. Sono diversi, eppure lavorano insieme. La misurazione valuta una certa area della vista e imposta i parametri di esposizione. L’autofocus valuta una certa area della vista e imposta i parametri di messa a fuoco.
Come si scopre, queste due impostazioni sono altamente soggettive, e ci si ritrova a preferire l’uno o l’altro metodo perché ti servono meglio nel tipo di fotografia che fai. Io stesso uso la misurazione a peso centrale, in parte perché non mi piacciono i risultati che ottengo con altri metodi. Eppure, uso altri metodi. Quando fotografo una spiaggia, tendo ad usare la misurazione a matrice, perché misura l’intera scena. Per i fiori, uso la misurazione a peso centrale. Uso la misurazione a peso centrale anche per fotografare gli uccelli e gli insetti. Ho provato tutti gli altri metodi ma li uso raramente. Mi piace la misurazione delle alte luci, per esempio, eppure non la uso, perché cambia il bilanciamento dei chiari e dei scuri, e a volte questo rende una foto migliore e a volte non la fa sembrare giusta per me. Vedete come la misurazione è soggettiva.
L’autofocus è disponibile in due categorie più ampie. C’è l’autofocus a servo singolo e l’autofocus a servo continuo. Uno impiega il suo tempo per mettere a fuoco perché la fotocamera sa che si sta scattando una singola foto alla volta. L’altro rimane in una modalità di messa a fuoco continua perché la fotocamera sa che stai scattando più foto in successione e non avrà il tempo di rimettere a fuoco per ogni foto.
All’interno di single-servo e continuous-servo, hai molte più scelte su come la tua fotocamera metterà a fuoco. In continuous-servo, avrai più scelte, come la messa a fuoco dell’area di gruppo, il riconoscimento del viso o dell’occhio, la messa a fuoco 3D, l’auto o la messa a fuoco dell’area dinamica. Il servo singolo di solito ha scelte più limitate. Io stesso uso la messa a fuoco a servo singolo, tranne se sto riprendendo uccelli in volo o altri oggetti in movimento. Allora passo al servo continuo. Ma per la fotografia fissa, ho scoperto che la mia fotocamera mette a fuoco meglio e le mie immagini sono più nitide quando le do il tempo di fare un buon lavoro, il che significa servo singolo.
Come si impara quali metodi di misurazione e autofocus impostare? Sfortunatamente, si impara solo sperimentando. Ognuno di questi metodi ha i suoi vantaggi o svantaggi. Finché non mi sono stabilito sui metodi che uso, ho letto tutti gli articoli che ho potuto trovare sull’argomento e poi ho sperimentato.
Ho scoperto che generalmente, si cambia metodo quando ci si rende conto che non piace quello che si sta usando. Perché non dovrebbe piacerti un metodo particolare? Perché influenza la tua foto. Una misurazione diversa può cambiare l’enfasi di luci e ombre; può influenzare il colore; può influenzare la profondità delle ombre. Metodi diversi di messa a fuoco possono influenzare quale parte del tuo soggetto è a fuoco, se è il tuo soggetto o lo sfondo ad essere completamente a fuoco, o anche entrambi. Può rendere l’occhio la caratteristica più nitida nel volto di una persona. Ma è importante fare i vostri esperimenti e capirlo, ed è anche importante essere disposti a cambiare quando avete esigenze diverse per la vostra foto.
Bilanciamento del bianco
Il bilanciamento del bianco (WB) confonde i principianti del tiro manuale. Ma non c’è davvero nulla di cui aver paura. Hai solo bisogno di capire come funziona, e poi diventa facile. Prima di tutto, capisci che lo spettro della luce ha molti colori (pensa all’arcobaleno) ai quali sono state assegnate temperature in gradi Kelvin.
Il bilanciamento del bianco è la reazione della tua fotocamera alla temperatura del colore della tua scena. Una scena inondata dal sole avrà una temperatura di colore ‘calda’. Una scena di neve avrà una temperatura di colore “fredda”. Devi bilanciare queste temperature impostando il tuo WB per essere più freddo con luce calda e più caldo con luce fredda. In altre parole, il tuo WB è l’opposto della temperatura di colore di una scena per bilanciarla e portarla in una gamma di colori che il nostro occhio si aspetta di vedere, o quello che si chiama temperatura di colore neutra.
La scala della temperatura del colore va dal basso all’alto, come da 1000 a 10000. Il centro della scala rappresenta la luce naturale del giorno, circa 5500. I numeri al di sotto sono i colori caldi, e i numeri al di sopra sono i colori freddi. Quindi una temperatura di colore di 3.000 è un colore caldo e una temperatura di colore di 8.000 è un colore freddo. Il bilanciamento del bianco è esattamente l’opposto perché il suo scopo è quello di bilanciare questi colori. Così nel WB, con 5500 come luce naturale del giorno, un WB di 3.000 è un WB freddo, e un WB di 8.000 è un WB caldo.
Dal momento che è ciò che imposta i toni di colore della tua foto, c’è una grande quantità di preferenze personali nelle tue impostazioni WB. A me piace che il mio rifletta da vicino la scena in modo realistico. La mia impostazione WB preferita per gli esterni è 5260. Se ti piace una tonalità bluastra o più fredda per le tue foto, dovresti scendere a 5000 o giù di lì.
Se vi piace che i vostri marroni e verdi siano più pronunciati con un aspetto più caldo, ad esempio nei vostri paesaggi, dovreste salire fino ai 6000. Se state scattando in interni, dovete riflettere il colore della fonte di luce della stanza in cui vi trovate. Se, per esempio, stai scattando sotto un’illuminazione a incandescenza in una stanza beige di notte, la tua foto a 5260 non sembrerà normale e tutto, come i toni della pelle delle persone, sembrerà giallo fino a quando non cambierai il tuo WB nella gamma 3000.
Questo perché l’illuminazione causerà un’alta temperatura di colore, ed è necessario raffreddarla con un WB basso. Se sei in una stanza blu alla luce del giorno senza illuminazione artificiale, assomiglia un po’ alla luce del giorno esterna, quindi un WB medio va bene, ma se accendi le incandescenze, allora il colore cambia, quindi stai attento e cerca di capire il tuo nuovo WB. Se siete sotto le lampade fluorescenti, la temperatura di colore è molto fredda, e con le impostazioni midrange, il vostro soggetto sembrerà malaticcio, quindi avete bisogno di riscaldare il vostro WB.
Di nuovo, i miei esempi sono in qualche modo arbitrari basati sulle mie esperienze personali. In realtà, è necessario sperimentare prima dello scatto e trovare le impostazioni WB che riflettono ciò che si vede e sono anche di proprio gusto. È anche importante sapere che si può cambiare il WB in post-produzione per riflettere meglio il modo in cui si vuole vedere la propria immagine. Se avete scattato quella che pensate sia una scena normale, ma è venuta fuori troppo gialla o troppo blu o troppo qualsiasi altra cosa, potete correggere il colore in post-produzione a patto che scattiate in RAW. Questo significa che nella fotocamera, il WB è in gran parte cosmetico. Lo imposti in modo che le tue foto ti sembrino buone sul monitor della fotocamera, e ti preoccupi di come appare la tua foto in ultima analisi in post-produzione.
Guida avanzata all’esposizione: RAW vs JPG
Scatta sempre in formato RAW. RAW ti permette di post-processare e correggere gli errori o cambiare la tua foto. Poi convertirai in formato JPEG. Se scatti in JPEG, allora hai opzioni estremamente limitate per cambiare la tua foto in qualsiasi modo, e praticamente nessuna opzione per correggere un errore su una foto importante. Vedi l’articolo RAW vs JPEG per maggiori dettagli.
Post-elaborazione
Imparate a post-processare le vostre immagini. Non c’è niente da fare se vuoi progredire nella fotografia. Vedi, ti rende un fotografo migliore. Se non post-processi, non impari dai tuoi errori. Se non sei disposto a post-processare, non puoi scattare in RAW e rimarrai per sempre un fotografo limitato. Per coloro che pensano che si debba sempre e solo ottenere il risultato giusto senza aggiustamenti, dovreste sapere che i produttori di fotocamere hanno costruito la vostra fotocamera aspettandovi di post-processare. In altre parole, la post-elaborazione fa parte del DNA di una fotocamera. Nella fotografia digitale, non esiste una cosa come ‘ottenere sempre il risultato giusto nella fotocamera’. Il digitale è troppo complesso per questo. Ci sono sempre aggiustamenti da fare.
Pensieri finali – Guida avanzata all’esposizione
Molte persone si chiedono perché dovrebbero preoccuparsi di tutte queste impostazioni quando la fotocamera può farle altrettanto bene scattando in modalità automatica. Beh, va bene così. Ma penso che avere un maggiore controllo sulle proprie impostazioni può portare a una creatività molto maggiore che lasciare che un algoritmo le controlli, perché l’unico obiettivo dell’algoritmo è la corretta esposizione.
Al di là dell’esposizione corretta, non va. Questo per me limita il tipo di fotografia che si può fare. Inoltre, lo scatto manuale è un po’ un bug, e se si è morsi da questo particolare bug, non si può tornare indietro. Altri metodi non vi soddisferanno più se siete arrivati ad amare la fotografia manuale. Alcune persone faranno un’auto parziale, impostando la priorità del diaframma o della velocità dell’otturatore. La stessa cosa vale. Avete messo l’algoritmo al posto di guida e dovete accettare quello che vi dà. Questo per me non è logico. Perché pagare un sacco di soldi per una macchina fotografica costosa e poi trasformarla in una point-and-shoot? Non ho una risposta. Ma è bene che tutti noi ricordiamo che il gusto non è soggetto a discussione. Amiamo ciò che amiamo.
Alcune persone si sentono intimidite dallo scatto manuale. Altri si sentono fortemente a favore dello scatto automatico. È tutto molto personale e soggettivo. Ci sono cose buone in entrambi i metodi. È importante ricordare che lo scatto manuale non è un giudizio sugli altri metodi. È semplicemente una preferenza che influisce sul piacere del processo di fotografare.
La ripresa manuale non è facile all’inizio. Alla fine, diventa una seconda natura. Troppo spesso le persone evitano di provarlo a causa della sua complessità. Ma questa complessità può essere suddivisa per guidarti nei tuoi primi passi nello scatto manuale. Ho scritto un articolo qui a Photography Life, Imparare a scattare inmodalitàmanuale, che fa proprio questo per coloro che sono interessati. Una volta che siete guidati nei vostri primi sforzi, si può prendere in consegna da lì ed esplorare le vostre opzioni. Infatti, diverse persone mi hanno chiesto di andare oltre il mio articolo introduttivo, che è ciò che ha mantenuto l’idea per questo articolo nella mia mente. Mi ci è voluto molto tempo per decidere di farlo, ma eccolo qui. Quelli che hanno provato il manuale due anni fa sono probabilmente troppo esperti per beneficiare di questo articolo ora. Ma ci saranno sempre alcuni che vorranno un po’ di aiuto, così ho deciso di andare avanti ed esplorare la ripresa manuale un po’ più a fondo. Spero che questo articolo sia stato utile alle persone che non sono ancora a loro agio o che non capiscono ancora appieno il lavoro in modalità manuale.
