Qualche tempo fa, stavo esaminando la collezione di foto di famiglia quando mi sono imbattuta in una delle sue fotografie di matrimonio, scattata negli anni ’70. Era una stampa 8×10 in bianco e nero. All’epoca aveva 24 anni e indossava il suo abito da sposa, ma non guardava direttamente la macchina fotografica, come era nello stile. La sua espressione facciale era anche informata da un senso di timidezza e meraviglia. Sono rimasto abbastanza colpito da quanto fosse spettacolare e classica questa immagine, e nonostante le sue proteste, ho insistito per incorniciarla – una dichiarazione non solo dell’importanza duratura di una singola immagine speciale, ma dell’importanza della stampa, specialmente ora che la maggior parte delle immagini sono in forma digitale facilmente perdibili o eliminabili.
Qualsiasi artista saprà che un ritratto deve essere onesto. L’idea è quella di presentare una narrazione sulla personalità del soggetto, se possibile, per cercare di mostrare qualcosa che non è immediatamente ovvio. O documentare un evento importante nella vita di quell’individuo o di quell’insieme di individui. Sfortunatamente, sembriamo essere costantemente bombardati da immagini progettate per i social media e la pubblicità, che hanno un pregiudizio intrinseco verso un discorso narcisistico e giovanile e sono o molto stereotipate, se non completamente false. In questo regno, gli anziani tendono ad essere quasi invisibili – e apparentemente viviamo in un paradiso utopico del consumo di giovani perennemente felici e sorridenti, circondati da sfondi di intento altrettanto glamour e superficiale. In questo mondo, anche le location sono spogliate della loro identità e servono solo come tableau per enfatizzare lo smorgasbord di corpi e volti perfetti in mostra.
Nel suo eccellente articolo “The Generation of the Self Obsessed”, Nasim approfondisce questo argomento, specialmente dalla prospettiva di come i social media abbiano coltivato una sorta di narcisismo di massa. Nasim ha anche scritto un pezzo correlato sull’etica della fotografia.
Voglio portare questa analisi un po’ più avanti. In un certo senso, il mio titolo “The Power of The Image” avrebbe potuto essere “The Image on Life Support”. Vedete, la foto del matrimonio di mia madre negli anni ’50, per non parlare dei famosi ritratti dell’antichità dipinti a olio su tela, sono stati creati in un contesto sociale e tecnologico molto diverso. I dispositivi di imaging digitale sono ormai onnipresenti. La mia apprensione è che con l’aumento e l’ubiquità della macchina fotografica e dell’immagine digitale, c’è stato un corrispondente declino del senso di acutezza visiva ed estetica. La soglia di discriminazione tra alto e basso, arte e spazzatura, è diminuita esponenzialmente insieme alla produzione esponenziale dell’immagine. Vedo il risultato come una minaccia diretta al ruolo dell’artista. Vedo anche il costante declino del potere dell’immagine. Se volete scusare la metafora, se i leopardi delle nevi fossero comuni come i gatti domestici, perderebbero molto della loro mistica.
Naturalmente, esito a generalizzare. Fotografi straordinari come Steve McCurry, Annie Leibovitz e molti altri producono lavori affascinanti che perpetuano un linguaggio visivo universale e l’iconografia del nostro tempo. Non sto certamente suggerendo che la mia fotografia sia anche lontanamente in quella categoria, e sono sicuro che ci sono molte migliaia di fotografi “professionisti” che lottano per il riconoscimento e qualche tipo di modesta ricompensa finanziaria in un’arena molto satura. Elevarsi al di sopra di quell’arena, immagino, richiede la creazione di un lavoro di cui pochi sono capaci, pur riconoscendo che, pur essendo ampiamente conosciuti tra i circoli fotografici, anche i fotografi famosi non hanno nulla di simile al riconoscimento della tipica celebrità. Ogni adolescente del pianeta conosce Taylor Swift o i Kardashian, ma quanti di loro conoscono Cartier-Bresson o Ansel Adams?
Nel menzionare la saturazione e la mercificazione dell’immagine come veicolo commerciale, devo tornare al genere della fotografia di matrimonio. Immagino che la maggior parte dei fotografi sia consapevole che si tratta di uno dei mercati più contesi. In Australia, usiamo l’analogia che è come “i gabbiani che combattono per una patatina”.
Forse questo parla dell’offuscamento della linea di demarcazione tra la fotografia da smartphone e la produzione di massa di immagini in stile centro commerciale, dove vengono sfornati incessantemente scatti formali in posa con creatività e contenuto narrativo minimi. La domanda, suppongo, è come elevare l’estetica pubblica oltre il superficiale e il banale? Come portare riconoscimento e ricompensa finanziaria ai fotografi che possiedono meriti creativi e che magari lavorano nell’oscurità e nella relativa povertà? Dubito che i cosiddetti “concorsi fotografici” con le loro tariffe invariabilmente alte siano la risposta. Insieme a molti altri fotografi professionisti, sono sicuro di non essere il solo a sentirmi una specie minacciata.
Molti di noi (specialmente aziende come Nikon e Canon) sono consapevoli del precipitoso declino delle vendite di fotocamere e del corrispondente aumento delle vendite di smartphone. Per molte persone, la comodità di uno smartphone supera di gran lunga la differenza qualitativa ottenibile con una fotocamera tradizionale. Date le enormi risorse e la ricerca e sviluppo che vengono riversate nello sviluppo di fotocamere per smartphone, è sicuro assumere che queste differenze qualitative sono destinate a diminuire con il passare del tempo.
Un altro punto che sembra essere stato mancato è il mezzo attraverso il quale l’immagine fissa viene vista: Immagino che la maggior parte dei fotografi stia modificando e visualizzando il proprio lavoro su un monitor decente. Nel mio caso, si tratta di un monitor 4K da 32″ con una risoluzione di 3840×2160. Le fotografie sono altamente dettagliate quando vengono viste attraverso il mezzo di un buon monitor.
Sono sicuro di non essere il solo a provare sgomento quando quelle stesse immagini vengono caricate su Instagram e visualizzate sul piccolo schermo di un telefono cellulare. Notate anche che Instagram non permette all’immagine di ruotare, come fa Flickr, per essere vista su una scala più grande. L’immagine rimane in una sorta di versione rimpicciolita di se stessa, in molti modi spogliata della maggior parte della sua sottigliezza e sfumatura. Instagram tende a forzare il ritaglio – ho scoperto che devo ritagliare un’immagine scattata in modalità orizzontale in modalità verticale, o Instagram stesso incoraggia di default che l’immagine sia ritagliata in un formato quadrato. Il risultato può attirare più attenzione e impatto visivo, tuttavia, nel mio lavoro di fotografia di scena, il performer circostante, o il palco e l’ambiente di illuminazione sono tutti compromessi da una serie di variabili al di fuori del mio controllo. Questo per non parlare degli algoritmi che regolano il valore sociale e la popolarità dell’immagine come dettato da Instagram.
In definitiva, penso che sia una sfida attenersi ad alti livelli di originalità e integrità artistica. Certo, faccio spesso istantanee veloci con il mio cellulare… solo che non le userei mai in modo professionale. Almeno per me, c’è una chiara linea di demarcazione tra qualcosa di usa e getta e un’immagine che voglio sia pagata e conservata come importante; così come è ancora chiara la linea di demarcazione tra un obiettivo e un sistema fotografico di alta qualità rispetto anche alla migliore fotocamera del cellulare. C’è ancora una grande differenza.
Inoltre, c’è la questione della “breve durata dell’attenzione”. Se Instagram è davvero il mezzo principale per la visualizzazione dell’immagine fissa, come facciamo a contrastare il fatto che la nostra immagine può essere vista su un minuscolo schermo di cellulare per meno di un secondo, apprezzata e scartata insieme al resto delle cose transitorie e usa e getta di cui le nostre vite sono affollate; pensate alle gallerie d’arte contro i centri commerciali. Pensate al balletto classico contro il complesso del cinema. La cultura tecnologica occidentale è più ricca che mai, tuttavia, ribadisco la mia precedente argomentazione che siamo più distaccati che mai dal nostro cuore spirituale e culturale. C’è un’epidemia di artefatti culturali occidentali che hanno una durata di vita minuscola rispetto a qualcosa come le incisioni rupestri aborigene, ancora vive dopo migliaia di anni.
Naturalmente, sto presentando questo argomento perché Instagram e i suoi fratelli sono, credo, all’epicentro di cambiamenti sismici nel modo in cui non solo vediamo l’immagine ma percepiamo le nostre relazioni e il mondo intorno a noi. Mentre alcuni possono sostenere che si tratta di un processo di democratizzazione e il progresso naturale ed evolutivo del nostro costrutto sociale, io sarei più propenso a paragonarlo a una sorta di riscaldamento globale visivo. L’umanità ha fatto più danni all’ambiente negli ultimi 200 anni che nei precedenti 200.000. La tecnologia ha permesso meravigliosi progressi nella medicina, nella scienza e in altri campi, ma allo stesso tempo, la deforestazione e l’estinzione di intere culture, lingue e specie animali e vegetali sta avvenendo a velocità mozzafiato.
Non sto cercando di iniziare un qualche tipo di vendetta verso Instagram o i social media in generale. La mia attenzione è più sull’esame del ruolo cruciale che i social media giocano nella diffusione e nella comprensione della comunicazione visiva, così come le piattaforme elettroniche utilizzate per contestualizzare la nostra comprensione dell’immagine. È un dato di fatto che la maggior parte delle immagini sono scattate e visualizzate su telefoni cellulari attraverso un’applicazione di social media. La domanda è, suppongo, il ruolo del fotografo tradizionale sta diventando irrilevante, e c’è qualcosa che si può fare al riguardo?
Se prendiamo l’immagine fissa come una forma d’arte, allora l’arte dovrebbe per definizione informare la cultura e avere un discorso più d’impatto che mostrare l’ultima iterazione dello stile di vita delle nostre celebrità di Hollywood preferite. Eppure di queste celebrità, poche sembrano concentrarsi sulle questioni socialmente e ambientalmente pertinenti del giorno piuttosto che su se stesse. Lodo questi esempi perché il peso dato da Instagram e dai social media in generale significa che prendere una posizione sull’ambiente o sulla disuguaglianza da parte di qualcuno sconosciuto è come ascoltare il frinire dei grilli nel deserto.
Oltre al declino dell’estetica e della capacità di discriminare effettivamente le immagini sulla base della loro qualità, dell’impatto narrativo e drammatico, della sottigliezza e delle sfumature, o del loro potere come agente di trasformazione sociale, vorrei menzionare un altro fattore importante nella produzione e nel valore dell’immagine e come, ancora una volta, Instagram e altre piattaforme di social media siano al centro di questo cambiamento. Mi riferisco all’uso crescente del video e a come la produzione video si sta evolvendo per diventare il mezzo visivo di scelta nei social media.
Con lo sviluppo della tecnologia video dei telefoni cellulari e dei sistemi di fotocamere mirrorless, credo che il potere e le possibilità narrative dell’immagine fissa possano potenzialmente diminuire ulteriormente. Sul piccolo schermo di un telefono cellulare, un videoclip tende ad essere molto più accattivante di un’immagine fissa. Non mi credete? Guardate le migliaia di video promozionali e commerciali su Instagram – il rapporto tra immagini fisse nella sfera commerciale è pesantemente ponderato a favore del video.
Nel mio campo della fotografia di palcoscenico e di spettacolo, trovo più impegnativo navigare nella politica di scattare immagini fisse quando la priorità è invariabilmente data alla produzione video; attenzione, in molti casi, il video è insipido e mediocre – il tipo in cui il videografo mette una telecamera su un treppiede, a metà palco in fondo all’auditorium, preme il pulsante di accensione e poi la spegne dopo un’ora o due. Per usare un’altra analogia, il video a questo livello di produzione è come un fast food: ti riempie ma non contiene alcun nutrimento reale. Questi video saranno guardati una o due volte e poi cominceranno a prendere polvere.
L’immagine fissa, tuttavia, contiene potenzialmente profondità e possibilità che non possono mai essere pienamente esplorate nel momentaneo “morso sonoro” della nostra breve durata di attenzione, né nella forma di un videoclip. Rappresenta un momento congelato nel tempo, un ricordo, o un momento unico o un’emozione che non potrà mai essere riprodotta. Temo che sia in procinto di essere svalutato – se non addirittura di diventare una specie in via di estinzione. A volte è importante ricordare a noi stessi cosa può fare una singola, potente immagine. Per citare ancora Steve McCurry, la sua immagine della ragazza afgana è una delle fotografie più iconiche del XX secolo e dimostra che un’immagine può parlare un linguaggio universale capace di trascendere ogni tipo di confine politico, economico, religioso e sociale.
Bellissimo articolo, grazie :)