La Post produzione in fotografia

La post produzione in fotografia si riferisce qui a tutto ciò che accade tra il momento in cui si termina la ripresa fino a quando l’immagine non ha trovato la sua destinazione finale (sia in stampa che sul web). In questo articolo tratteremo i concetti (molto basilari) del fotoritocco, ma prima di questo, passiamo in rassegna i diversi passaggi solitamente coinvolti nella post-elaborazione. Questo è quello che chiamiamo un flusso di lavoro, che si può pensare come una conduttura o un nastro trasportatore, ogni passo prendendo il risultato del compito precedente, modificando l’immagine e dando al compito successivo in linea.

• Avete scattato un’immagine, utilizzando tutte le informazioni delle lezioni precedenti. Ora vive felicemente sulla vostra scheda di memoria, sotto forma di un file jpg o di un file grezzo dal nome strano.

• Il primo passo è quello di scaricare i file su un computer, direttamente dalla telecamera, tramite un lettore di schede o indirettamente, attraverso un disco rigido esterno autoalimentato (per ridondanza).

• Speriamo che abbiate una fototeca da qualche parte sul vostro computer. Può essere gestita da un software dedicato (DAM, di cui parleremo domani) o semplicemente essere un mucchio di cartelle su un disco. Aggiungete quindi le nuove immagini alla vostra libreria, un passo chiamato ingestione.

• Una volta che tutte le immagini sono inserite nella libreria arriva il momento della revisione e del tagging. Si passeranno le immagini a schermo intero e le si ordinerà in diversi gruppi, cancellando le peggiori e contrassegnando le migliori per il lavoro successivo. Questo è anche il passo in cui dovreste aggiungere parole chiave rilevanti alle vostre immagini, per poterle ritrovare facilmente quando ce n’è bisogno.

Ora che avete un’idea chiara di quali foto volete lavorare, potete iniziare l’editing delle immagini in modo corretto. Anche in questo caso, ci sono molti passaggi:

• Se volete fare un ritaglio, dovreste farlo ora, all’inizio. Questo può essere sia riquadrare o cambiare il rapporto di aspetto e ruotare l’immagine per ottenere un orizzonte livellato.

• Alcuni software, come Adobe Lightroom, forniscono diversi profili di immagini, che corrispondono all’elaborazione jpg nella fotocamera. Anche questo dovrebbe essere scelto all’inizio, insieme alle correzioni dell’obiettivo, se necessario.

• La riduzione del rumore si applica meglio in fase iniziale, in quanto può produrre artefatti se applicata in ritardo nel flusso di lavoro.

• Il bilanciamento del bianco viene scelto in questa fase se si scatta in raw. Gli utenti jpg possono fare piccoli aggiustamenti, ma dovrebbero astenersi da grandi modifiche.

• L’esposizione e il contrasto vengono poi regolati, di solito tramite livelli o curve, che tratteremo in una lezione successiva.

• Infine, la saturazione e il contrasto dei toni medi vengono modificati.

A questo punto, si sarebbero dovute coprire le regolazioni di base dell’immagine. È probabile che questo sia sufficiente per i vostri scopi, anche se naturalmente potete sempre fare di più:

• Gli aggiustamenti locali sono modifiche simili a quelle che abbiamo fatto prima, tranne per il fatto che riguardano solo una parte dell’immagine. Questo è uno strumento molto potente, di cui parleremo ancora di più nella “lezione sui livelli e le maschere” tra qualche giorno.

• Qui si possono applicare una serie di ulteriori effetti, tra cui la conversione in bianco e nero, la tonificazione, il tonemapping, ecc. Ricordate solo che è facile esagerare, e che l’effetto non dovrebbe essere più importante dell’immagine stessa…

Una volta che sentite di aver finito di editare, l’ultima fase è la pubblicazione, e l’esportazione della vostra immagine in un formato che si adatti al supporto a cui è destinata. Ci sono tre fasi principali:

• Ridimensionamento. 1200×900 è una dimensione comune e utile per l’uso online, ad esempio, mentre le stampanti vorranno 240 o 300 dpi con le dimensioni fisiche della stampa.

• Nitidezza: è meglio farlo per ultimo, dopo aver ridimensionato e sapendo come verrà utilizzata l’immagine. Il punto non è rimuovere la sfocatura, ma accentuare i bordi in modo che l’immagine appaia più nitida ai nostri occhi.

• Conversione del profilo cromatico: si tratta di un argomento vasto e complesso, dei cui dettagli non parleremo in questa sede. In poche parole, ogni dispositivo visualizza i colori in modo diverso, e l’utilizzo del giusto profilo aiuta il dispositivo a mostrare l’immagine in modo accurato – come il fotografo ha voluto. La linea di fondo è: per il web, convertire in sRGB, per la stampa usare AdobeRGB.

La post produzione in fotografia: DAM e backup

In un certo senso, siamo fortunati a vivere in un mondo digitale in cui la post produzione in fotografia è qualcosa all’ordine del giorno: non abbiamo più bisogno di avere a che fare con ingombranti scatole di negativi. Ma naturalmente, dobbiamo ancora indicizzare ed etichettare le nostre immagini, proprio come prima, o sarà impossibile trovare una vecchia immagine come ai tempi della pellicola.

Ogni fotografo che ha scattato per un po’ di tempo avrà nella sua biblioteca decine di migliaia di immagini, a volte centinaia di migliaia. La mia biblioteca ne mostra 42.000, e ci sono stato solo dal 2006. Sono un sacco di foto. Se non organizzate la vostra biblioteca, e se non lo fate in anticipo, avrete per le mani un casino impossibile.

L’intero processo di organizzazione delle immagini e di altri file multimediali in qualcosa di relativamente sano di mente porta il nome un po’ pomposo di Digital Asset Management (DAM). Dovrete prestargli attenzione, prima o poi, quindi prima vi organizzerete, meno tempo ci vorrà e più facile sarà per organizzarvi.

Ci sono due soluzioni di base per il DAM: si può provare a gestire le cose manualmente attraverso una struttura di cartelle accuratamente creata, oppure si può utilizzare un software dedicato per tenere la propria biblioteca. Negli ultimi anni sono stati rilasciati software avanzati come Adobe Lightroom, Apple Aperture e Bibble Pro, che integrano ogni fase del flusso di lavoro digitale in un’unica interfaccia. Sono di gran lunga la soluzione più semplice ed efficiente. Non voglio sembrare un cartellone pubblicitario, ma non ho alcun dubbio che l’acquisto di Lightroom sarebbe uno dei migliori soldi che si possano spendere per la fotografia.

Ci sono alcuni concetti importanti in DAM:

• Dovreste organizzare i vostri file in una struttura ben definita e ben ponderata. Un modo molto popolare per farlo è semplicemente la data: tutti i file girati oggi andrebbero nella cartella 2010/2010-09-17. Anche i nomi dei file sono importanti, io nomino i miei per data e località, il che darebbe ad esempio 20100917-copenhagen-001.nef. Questo dovrebbe essere fatto indipendentemente dal modo in cui il software della vostra biblioteca mostra i file, in quanto è un’assicurazione che potete trovare i vostri file anche se non siete in grado di lanciare il software, per un motivo o per un altro.

• Dovresti usare i metadati. La fotocamera registrerà automaticamente i parametri di ripresa (nei tag EXIF), ma è necessario aggiungere ulteriori informazioni che indicano sia le informazioni sul contenuto dell’immagine (posizione, soggetto, stile, ecc.) sia lo “stato” attuale dell’immagine, se è contrassegnata come completamente elaborata, in attesa di essere modificata, programmata per un’ulteriore occhiata, archiviata per un uso futuro, da rimuovere, ecc. Facendo questo in anticipo, è possibile cercare rapidamente tra le vecchie immagini.

• Un altro concetto importante è quello di utilizzare l’editing non distruttivo. Ciò significa che non si sovrascrive mai il file originale e si ha sempre la possibilità di tornare alle fasi precedenti del processo di modifica. NDE è integrato in software come Lightroom ma bisogna fare attenzione se si usa photoshop o applicazioni simili. O si mantiene un livello inferiore intatto (vedere una lezione successiva per maggiori informazioni sui livelli) o, meglio, si lavora sempre su una copia dell’immagine, mai sull’originale. Il vostro stile, i vostri gusti, le vostre abilità e il vostro software evolveranno nel tempo, e vorrete tornare alle vecchie foto e correggere alcune delle vostre modifiche.

L’altro componente principale di DAM sono i backup. Come dice il proverbio, tutti devono passare attraverso un’importante perdita di dati prima di fare sul serio il backup. Assicuratevi solo che non accada alle vostre immagini più importanti.

La verità è che nessuno sa come conservare i file digitali per un lungo periodo. I supporti ottici (CD e DVD) durano al massimo solo pochi anni. I dischi rigidi si guastano sempre, spesso senza alcun avvertimento. I backup su nastro sono migliori, ma non durano per sempre. La memorizzazione dei file sul cloud (Amazon S3, dropbox e servizi simili) funziona bene, ma non è ancora scalabile fino ai molti GB di fotografie digitali. E naturalmente, anche i media immortali non sopravviverebbero a incendi, inondazioni o cancellazioni accidentali. Per questi motivi, la regola di base è quella di avere più copie dei vostri file importanti (versioni grezze ed elaborate delle vostre migliori immagini, come minimo) e di conservarle in luoghi diversi. 3 copie in 2 posizioni è una buona pratica di base.

È necessario eseguire il backup ad entrambe le estremità della pipeline del flusso di lavoro:

• All’inizio, subito dopo averle scattate, le immagini sono molto vulnerabili. Vivono tutte su un minuscolo pezzo di plastica e ce n’è una sola copia in tutto l’universo conosciuto. Se accidentalmente formattate la scheda, la perdete o soffrite di corruzione della memoria, è andata per sempre. Per questo motivo, dovreste cercare di fare una copia aggiuntiva il più presto possibile – di solito, questo significa scaricare la scheda su un disco del computer. Dovreste immediatamente fare un’altra copia su un disco secondario, altrimenti vi ritroverete di nuovo con una sola copia non appena riformattate la scheda. L’ideale sarebbe fare una copia fuori sede, ma è raramente fattibile.

• All’altra estremità, una volta terminata la modifica, si desidera una conservazione a lungo termine. Questo è il momento in cui si ha davvero bisogno di copie fuori sede. Con il basso costo dei dischi rigidi, il modo più economico e semplice per ottenere questo risultato è mettere l’intera collezione su un disco portatile e consegnarla ad amici o familiari, sincronizzando la collezione ogni volta che si visita (si spera ogni poche settimane). Naturalmente, non dimenticate di rinnovare il disco ogni due anni, perché non durano per sempre.

Il backup è un’operazione costosa e una grande seccatura, ma sarete felici di averlo fatto, prima o poi. L’unica domanda è se bisogna perdere dati importanti prima di rendersene conto (io l’ho fatto).

La post produzione in fotografia: Livelli e curve

In questa sezione dell’articolo sulla post produzione in fotografia parleremo di quello che è, di gran lunga, lo strumento più importante e potente che si possa utilizzare per il post-processing di un’immagine: le curve. Solo con questo strumento, si può fare forse il 50% di tutto l’editing. Aggiungete una conoscenza di base dei livelli e delle maschere, di cui parleremo domani, e questo sale a qualcosa come l’80% (disclaimer: queste cifre sono state inventate sul posto).

Anche se le curve sono relativamente semplici, esiste una versione semplificata dello strumento che, pur perdendo un po’ di potenza, è spesso sufficiente: i livelli.

Livelli e curve modificano l’esposizione e, per estensione, il contrasto. Per poter essere utilizzati in modo efficace, è fondamentale avere una buona comprensione dell’istogramma.

Parliamo prima dei livelli. Abbiamo detto (vedi l’articolo linkato sopra) che un istogramma “perfetto” è un istogramma che ha una forma a campana, che si assottiglia in entrambe le direzioni e termina esattamente ai bordi, che corrispondono al bianco puro e al nero puro. Non si vuole che finisca dopo il bordo destro, per esempio, perché significherebbe perdere informazioni e ottenere il bianco puro, e non si vuole che finisca prima del bordo destro perché significa che non ci sono valori veramente luminosi nell’immagine, che la faranno apparire opaca e sbiadita, priva di contrasto.

Se siete stati attenti alla vostra esposizione, il vostro istogramma dovrebbe essere sul lato conservativo, per evitare di perdere i dettagli. Questo significa che l’istogramma è “troppo piccolo” e non tocca i bordi: l’immagine appare un po’ opaca, senza molto contrasto. In una parola, non “schiocca”!

Ciò che fa i livelli è ridimensionare la scatola, in modo che il vostro istogramma si inserisca perfettamente in essa. Assomiglia all’immagine seguente (questo viene da Gimp, ma Photoshop o innumerevoli altre applicazioni saranno simili). Ci sono tre controlli: punti neri, grigi e bianchi. Dimentichiamoci del grigio per ora e concentriamoci sul bianco e nero. Se li fate scorrere, definiranno i nuovi bordi della scatola in cui vive l’istogramma.

Un modo intuitivo di pensarla è il seguente: immaginate che l’istogramma sia un po’ elastico (o un po’ gelatinoso). Quando spostate il punto nero a destra, esso sarà attaccato al bordo sinistro della vostra molla. Poi, quando si applica lo strumento dei livelli, il punto nero torna al bordo sinistro dove è iniziato, portando con sé l’istogramma, deformandolo così per adattarsi meglio alla scatola. Naturalmente, il punto bianco fa la stessa cosa dall’altro lato.

Concretamente, quello che si dovrebbe fare il 95% delle volte è semplicemente trascinare il punto nero nella parte più a sinistra dell’istogramma che contiene qualcosa, e quello bianco nella parte più a destra. Una volta applicato lo strumento, si avrà un istogramma perfettamente sagomato, con un semplice tocco di bianco e nero puro, ma nessuna informazione perduta.

Ok, ma che ci dici del punto grigio? La sua azione è semplice: deforma anche l’istogramma, ma invece di incidere sui bordi, ha a che fare con l’equilibrio tra luci e ombre. Se lo si trascina a destra e poi si applica lo strumento dei livelli, tornerà anche nella sua posizione centrale, portando con sé l’istogramma. Questo comprimerà le ombre ed espanderà le evidenziazioni, oscurando così l’immagine. Allo stesso modo, spostandolo verso sinistra, si schiarirà l’immagine, poiché dà più importanza alle evidenziazioni.

Il punto grigio è molto utile per un semplice motivo: non tocca i bordi. Così, con esso, è possibile modificare la luminosità complessiva dell’immagine senza doversi mai preoccupare se si perde qualche informazione a favore del bianco puro o del nero puro.

Per quanto utile, lo strumento dei livelli ha due importanti limitazioni: fornisce solo tre punti di riferimento (nero, grigio e bianco), ed è impossibile controllare come deforma l’istogramma. Questo lo rende adatto a manipolazioni “ad alto livello”, ma non a quelle a grana fine. È qui che le curve saranno utili.

Come i livelli, le curve rimappano i valori di luminosità (cioè diranno “tutti i pixel con luminosità 127 dovrebbero ora avere luminosità 135” e così via), ma lo fanno in modo molto più esplicito. Funziona nel modo seguente: per ogni valore sull’asse orizzontale, modificare la sua luminosità al valore sull’asse verticale a cui la curva la fa corrispondere. Questo significa che se la vostra curva è una diagonale perfetta (ciò che si inizia sempre), non c’è alcuna modifica. Se la curva è al di sotto della diagonale, si sta scurendo l’immagine. Se è al di sopra della diagonale, la si schiarisce.

Finora tutto bene. Dove questo diventa davvero interessante è quando si mescolano entrambi. Una tipica curva avrà una forma a S: le ombre saranno scure e le luci si illumineranno. In altre parole, si aumenta il contrasto. Scegliendo dove la S interseca la diagonale e quanto sono profonde le curve, è possibile modificare con molta precisione il contrasto e la luminosità. Potete anche modificare solo i valori di luminosità che vi interessano, lasciando inalterati gli altri. Le possibilità sono quasi infinite.

Un altro modo interessante per usare sia i livelli che le curve è con lo strumento contagocce. Nei livelli, questo vi permetterà di selezionare direttamente sull’immagine ciò che dovrebbe essere bianco puro e nero puro. Nelle curve, non farà alcuna modifica, ma semplicemente posizionerà un punto di controllo sulla curva corrispondente all’esatta luminosità del pixel sotto il cursore. Quindi basta semplicemente spostare il punto verso l’alto o verso il basso per modificare la luminosità di quest’area dell’immagine.

Strati e maschere

Insieme ai livelli e alle curve, sempre in ambito della post produzione in fotografia, i livelli e le maschere sono alcuni dei concetti più importanti nell’editing delle immagini. Essi contengono la chiave di due caratteristiche cruciali: le regolazioni localizzate e l‘editing non distruttivo.

Strati e maschere sono un’idea abbastanza semplice. Immaginate la seguente situazione: avete regolato l’istogramma in modo che tocchi perfettamente i bordi, ma non siete ancora soddisfatti: la montagna sullo sfondo sembra troppo scura. Tuttavia, le vostre mani sono legate, perché il cielo luminoso è semplicemente perfetto. Se si aumenta la luminosità anche solo un po’, diventa bianco puro. Quello che serve è un modo per modificare solo una parte dell’immagine.

Ora immaginate di stampare la vostra immagine originale. Poi usate lo strumento dei livelli e aumentate la luminosità in modo che le montagne siano giuste, bruciando il cielo nel processo. Fate un’altra stampa di questa nuova versione.

Ora viene il trucco: si posiziona la nuova stampa sopra quella vecchia. Poi si prende un paio di forbici e si ritaglia il cielo nella nuova immagine, scoprendo l’immagine in basso. Infine, incollate la stampa in alto (meno il cielo) sopra quella in basso: la vostra nuova immagine ora ha una corretta esposizione ovunque.

Naturalmente, sarebbe estremamente complicato farlo con stampe fisiche, ma questo è esattamente quello che succede quando si usano i livelli in photoshop: si è duplicato lo strato inferiore (fatto una copia di stampa), si è modificato lo strato superiore con lo strumento livelli, poi si è applicata una maschera (ritagliata con le forbici) e infine si sono fusi i due strati (incollati insieme).

In realtà le cose sono anche meglio di così. Le forbici sono uno strumento piuttosto limitato, creano solo due stati, tagliati o lasciati dentro, e c’è una netta delimitazione tra i due. Le maschere di strato, invece, possono avere transizioni morbide (piumate) e semitrasparenze, mostrando parte di ogni strato.

Il modo in cui funziona è che una maschera è un’immagine in scala di grigi. Il bianco rappresenta la rappresentazione di tutto il livello, mentre il nero non ne mostra nessuno. Quindi un livello con una maschera bianca pura mostra interamente, mentre una maschera nera pura si comporta come se il livello non esistesse affatto. Il 50% di grigio mostrerebbe metà dello strato superiore e metà di quello inferiore, ecc.

Ogni volta che si crea una nuova maschera per un livello, si inizia sempre con il bianco puro. Si può poi dipingere sopra la maschera con un pennello grigio o nero, rivelando sempre di più gli strati inferiori. Se si usa un pennello duro, ci saranno delle transizioni nette, mentre i pennelli morbidi tenderanno a produrre risultati più naturali.

La creazione di una maschera può richiedere molto tempo, ma l’attenzione ai dettagli sarà fondamentale se si vuole che la modifica non sia scontata.

Finora, i livelli che abbiamo usato sono stati livelli bitmap: ogni livello è un’immagine a grandezza naturale. C’è comunque un altro tipo, chiamato livello di regolazione (si noti che questo è una delle grandi carenze di Gimp rispetto a Photoshop). Essi funzionano semplicemente memorizzando quale trasformazione dovrebbe essere applicata sui livelli sottostanti. Per esempio, invece di duplicare il livello inferiore e applicare i livelli, il software ricorderà semplicemente “spostare il punto bianco di 20 passi a sinistra e il cursore nero di 15 punti a sinistra”.

Questo ha due vantaggi significativi. In primo luogo, riduce drasticamente la dimensione del file (e quindi la reattività dell’applicazione) poiché non è necessario memorizzare un’immagine a grandezza naturale per ogni livello. Secondo e più importante, permette di modificare la regolazione in qualsiasi punto. Se dopo aver fatto molte altre modifiche si decide improvvisamente che si preferisce avere il cursore nero 10 punti a sinistra invece di 15, si può cambiare facilmente, invece di dover ricominciare da zero. Questo significa anche che potete lavorare in modo completamente non distruttivo se utilizzate solo i livelli di regolazione. Per recuperare l’immagine iniziale prima di qualsiasi modifica, è sufficiente nascondere tutti i livelli tranne quello inferiore.

Per entrambe le ragioni, si dovrebbe prendere la buona abitudine di utilizzare sempre strati di regolazione per tutto il lavoro.